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5.02.2006

ART NOUVEAU, EL ESTILO
Modernismo 1870-1914


Orígenes

El Art Nouveau hundía sus raíces en movimientos anteriores como el prerrafaelismo inglés, el renacimiento gótico -promovido por Viollet-le-Duc, Ruskin y William Morris-, los gustos Neorrococó y neobarroco en Francia, Bélgica y Alemania, el llamado Arts and Crafts Movement (movimiento de artes y oficios), liderado por el mismo William Morris, e incorporó influencias de los artes japonés y oriental puestos de moda en Europa en las décadas de 1860 y 1870.
Se liga a la producción industrial, con un gran sentido de adaptación a la vida moderna. Es por ello que se desarrolló singularmente en dos variables: la arquitectura y el diseño gráfico.

Denominaciones

Desde 1890-1893, se habló, por toda Europa de Art Nouveau que es como se le llamó en Francia, aunque se le denominó Modern Style en Inglaterra. Sezessionstil o estilo secesión en Austria. En Bélgica este movimiento era denominado Coup de Fouet (latigazo), por la fluidez de las líneas de los diseños. En Alemania y Austria se llamó Jugenstil, por la revista de Munich Jugend. En Francia también se llamó style Guimard, por el arquitecto Henri Guimard, que diseño en 1899 las verjas ornamentales de las bocas del metro de parís, aunque también se le aplicó el termino descriptivo Style Noulle (estilo fideo o tallarín). En España se lo denomino modernismo, y los italianos lo llamaron Lo Stile floreale, o Lo Liberty, por los almacenes Liberty de la regent Street londinense, celebre en la época por vender tejidos con diseños modernistas.

Características formales

Sus rasgos estilísticos más característicos fueron el uso obsesivo de líneas sinuosas, ondulantes y flameantes, la ornamentación estilizadamente vegetal y policromada, y el recurso a efectos decorativos cargados de refinamiento, historicismo y simbolismo. Las formas vegetales onduladas, llamas, olas en movimiento y cabellos sueltos eran los motivos más característicos.
Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo. Por ello utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión... Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial. Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.

Exponentes

Existen referentes tanto en la arquitectura como en la gráfica, la pintura y la escultura.
Claros ejemplos del tipo de diseño funcional en su estructura y simbólico en su ornamentación aplicados a la arquitectura pueden verse en la Casa del pueblo (1896-1899) o la Mansión solvay (1895), de Víctor Horta, ambas en Bruselas; el karl-Ernst-Osthaus-Museum (1900-1902), de Van de Velde, en La Haya; en distintos accesos al metro de París diseñados por Héctor Guimard (1867-1934), o en la Sagrada Familia, la Casa Milá o la Casa Batlló, en Barcelona, obras de Antoni Gaudí (1852-1926). La arquitectura de Mackintosh en Glasgow, Otto Wagner en Viena, y en Alemania;

En otras áreas: Los carteles de Alphonse Mucha y en parte, los de Toulouse-Lautrec; las joyas de René Lalique, la escultura de Ernst Barlach, los vidrios del norteamericano Louis C. Tiffany. Y además, algunas manifestaciones pictóricas tuvieron rasgos estilísticos, sensibilidad y planteamientos asimilables y próximos al Art Nouveau: así, los dibujos del británico Beardsley, ya citados, ciertas obras de los pintores de la escuela de Pont-Aven (Gauguin, Bernard, Anquetin, Serusier, Denis) y del grupo de los Nabis, profetas, (Pierre Bonnard, Maurice Denis, Edouard Vuillard, Paul Sérusier, Aristide Maillol), todos ellos interesados en la revalorización de la línea y la liberación del color, y muy influidos por el simbolismo artístico y literario; la pintura del belga Henry Van de Velde, del italiano Segantini, del suizo Ferdinand Hodler, la del austriaco Gustav Klimt (1862-1918), pintor de inquietantes figuras femeninas -trágicas y sensuales-, insertas en una ornamentación exótica caracterizada por el uso de dorados de pan de oro (como en los iconos bizantinos) y de caprichosas formas geométricas también la pintura de Odilon Redon, Gustave Moreau, Puvis de Chavanne, fue igualmente la expresión de aquella nueva voluntad estética: un ideal de belleza, esta vez, que, trascendiendo la realidad ordinaria, aprehendiera la esencia de las cosas a través de un arte puro y de lenguajes artísticos complejos y profundos.

Materialidad y aplicaciones

El modernismo se manifiesta en el diseño de ilustraciones de libros, de tejidos, de cristalería y de muebles. De estos materiales decorativos se pasó al empleo de la fayenza, los vidrios de colores, la terracota y los chapeados.
En arquitectura, el hierro y el vidrio sencillo eran materiales favoritos, así como las vidrieras de colores y el estuco. Los ornamentos arquitectónicos y del mueble talvez son los únicos que siguen una simetría, impuesta quizá por una armonía estructural. Los arquitectos del Modern Style cubrían los muros en acero y cristal de sus edificios con una decoración curvilínea, movida, que tomaba como modelo la flora o las cintas ondulantes; pero, en cuanto a estructura, seguían los principios del funcionamiento formulado por Henry Van de Velde (1863-1957), Víctor Horta (1861-1947) y Paul Hangar (1861-1901), y que querían romper, de una vez por todas, con ese estilo cosmopolita que se utilizaba para la arquitectura civil, un grecorromano recargado y para la arquitectura religiosa, un neogótico.
Se plasmaría especialmente en las construcciones utilitarias (fábricas, almacenes, estaciones, puentes), sobre todo gracias a la amplia aceptación del nuevo material: el hormigón armado. En este cambio incidió también, en algunos casos, como en escultura y pintura, el cubismo.

ART DECÓ

Si nos preguntamos: ¿qué es el Art Déco?, ¿cómo lo podríamos definir?, veamos lo que han dicho algunos de los especialistas sobre el tema, además de los ya expuestos, la forma en cómo se acercan al concepto. Alastair Duncan, en la Enciclopedia of Art Deco lo explica así:"No es fácil definir las principales características del Art Decó, porque el estilo atrajo una multitud de diversas y, con frecuencia, contradictorias influencias. Muchas de ellas vinieron de los estilos pictóricos de vanguardia de los tempranos años del siglo, como el Cubismo, el Constructivismo Ruso y el Futurismo Italiano -abstracción, distorsión y simplificación- todos evidentes en las artes vernáculas decorativas Art Deco. Pero estos no fueron todos: una examen del repertorio de motivos estandarizados del estilo tales como -racimos de flores estilizadas, jóvenes doncellas, geométricos y ubicuos frutos- revelan influencias del mundo de la alta moda, de Egipto, el Oriente, la África tribal y de los Ballets Rusos de Diaghilev. A partir de 1925 el creciente impacto de la máquina puede ser discernido en repetidas y superpuestas imágenes, o más tarde, en los treinta, por formas modernizadas derivadas de principios aerodinámicos. Todo esto resultó en una elevada amalgama de complejas influencias artísticas, descritas desafiantemente por una simple frase, el término Art Déco".15
En el libro ART DECO. Flights of Artistic Fancy Susan Sternau describe al Art Déco del subsiguiente modo:"Desarrollado en París y más tarde fomentado en Hollywood como el estilo de las estrellas, el Art Deco hizo la transición, en unos pocos años, de un primario estilo francés a un universalmente entendido símbolo del glamour. Art Deco, es un conveniente término usado para describir arte decorativo en el período entre las dos guerras mundiales, y refiere a un estilo que es clásico, simétrico y rectilíneo.

Orígenes

Hablar del término o estilo Art Déco como tal es explicar un conjunto de diferentes manifestaciones estéticas que se dieron cita en la ya citada Exposition Internationale de Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925 y que fueron conmemoradas en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966. Esa época son los años de entreguerras, los veinte y los treinta, los "años Locos", la "Belle Epoque" que quedaron insertos en la historia del siglo XX y de la decoración como los años del Art Déco. Como movimiento se desarrolló durante los años 1908 a 1912 y alcanzó un alto punto de 1925 a 1935. Este estilo fue el producto de influencias tan diversas como el Art Nouveau, Cubismo, el Bauhaus y el arte de Egipto, el Oriente, "África y las Américas".

Características formales

El empleo de la línea recta es la principal característica de este estilo, en diferentes combinaciones y principalmente en la de zig-zag... Las curvas aparecen frecuentemente, y el círculo en especial, pero estas líneas se emplean con un sentido geométrico,...La geometría impera en los diseños desde la arquitectura hasta todo aquello diseñable, y notablemente se hace uso de la simetría incluso cuando se estiliza la figura humana. El hexágono y especialmente el octágono son las figuras geométricas de más uso... El colorido participa audazmente en los textiles, cerámica y materiales tales como la baquelita y el plástico en los que se hace la imitación de jade, ámbar, etc. Los motivos con formas precisas comprendían zigzag, triángulos, rayas, círculos segmentados y espirales, mientras entre los motivos naturalistas se encontraban flores, árboles, frondas, fuentes, gacelas, pájaros, nubes y amaneceres estilizados. La imaginaria astrológica, junto con personificaciones idealizadas de fuerzas naturales y tecnológicas, era también usual. Fueron representativos de la era de la máquina su dinamismo los rayos, los aeroplanos, las locomotoras, los trasatlánticos, los automóviles, los rascacielos y los puentes. La imaginería de la era de la máquina se extendió también a las cúspides de los edificios, que con frecuencia estaban coronadas con mástiles futuristas o pretiles con aletas. Los motivos de las culturas prehispánicas americanas como la mexicana o azteca, lo maya, lo inca sirven de inspiración tanto a decoradores como a arquitectos; lo mismo sucedió con los descubrimientos arqueológicos de lo egipcio y lo mesopotámico, así como con los objetos africanos, vikingos, hindúes y de los indios.

Exponentes

El francés A. M. Cassandre fue uno de los impulsores del estilo y de la concepción del cartel publicitario entre 1925 y 1939. En sus distintos trabajos se observan una gran síntesis a partir de la economía de recursos visuales utilizados como: formas a partir de dibujos estilizados, colores modelados y acentuados por formas simples y planas que van acentuando la bidimensionalidad del cartel. Otras figuras destacadas son Charles Loupot, Lucien Mauzan, Charles Gesmar, Lalique. Mauzan considerado como el afichista más prolífico de la industria cinematográfica (1500 carteles en cuatro años), influenciado por el movimiento futurista, se instala en Buenos Aires en 1927. Trabaja para la Compañía general de fósforos, Bilz, cervecería Quilmes, Cafiaspirina, entre otras; Siendo el autor de uno de los iconos más importantes de la publicidad.

Materialidad y aplicaciones

Nuevos, Caros y extraños, materiales serían utilizados en los productos tales como: el cromo, la baquelita, resina sintética y moldeable, y el plástico el cual se podía aplicar de múltiples maneras. También estaban las exóticas maderas como el ébano traída del estrecho de Macasar en Indonesia y otros elementos naturales traídos de tierras lejanas que se utilizaban en los muebles y en la confección de atuendos de vestimenta como: la piel áspera del pez zapa, la concha de tortuga conocida como carey, la piel de serpiente o de tiburón. Todo esto reflejaba las excentricidades a las cuales se acostumbraba esa clase acomodada que a través de objetos lujosos de decoración mostraban su estatus social. Sin embargo, un sector social más amplio de la población desea consumir también esos nuevos objetos de diseños exclusivos; esa es la razón por la cual la industria produce gran cantidad de productos, copiados o inspirados en los originales que se vendían en los selectos almacenes y finas boutiques.

Como conclusión, tomando en cuenta los antecedentes de los autores citados, se entiende por Art Déco a un conjunto de diversas manifestaciones artísticas que convergieron entre las décadas de los años veinte y treinta en Europa y Estados Unidos, principalmente, así como en otros países, exaltando el gusto por la decoración, a través de diseños, en muchas ocasiones exóticos, que subliman lo geométrico, lo cúbico y lo aerodinámico, en contraposición de la delicadeza curvilínea y serpenteante de Art Nouveau y sus diferentes acepciones.

1 Comments:

Blogger alejandro gana said...

, etc. es como un trabajo de autodidacta... todo parte por interes por la ciudad en que vivo. es en este sentido que considero que seria interesante una definicion un poco menos de diccionario del art deco , y ademas enfocada a américa latina, y si es posible a chile, especificamente. tiene que ver basicamente con una antesala el racionalismo, que permitio la construcción de infraestructura institucional y comercial, a escala metropolitana para la ciudad (es el caso de santiago y de las ciudades latinoamericanas donde hay un proceso mas intenso de modernizacion en los 20 y 30. eso .... porfa una definicion más histórica y para nuestro contexto

5:22 p. m.  

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